El Padrino (1972)

FICHA TÉCNICA:
Título original: The godfather
Director: Francis Ford Coppola
Reparto: Marlon Brando,  Al Pacino,  James Caan,  Robert Duvall,  Diane Keaton,  John Cazale, Talia Shire,  Richard S. Castellano,  Sterling Hayden,  Gianni Russo,  Rudy Bond, John Marley,  Richard Conte,  Al Lettieri,  Abe Vigoda,  Franco Citti,  Lenny Montana, Al Martino,  Joe Spinell,  Simonetta Stefanelli,  Morgana King,  Alex Rocco, John Martino,  Salvatore Corsitto,  Richard Bright,  Tony Giorgio,  Vito Scotti, Jeannie Linero,  Julie Gregg,  Angelo Infanti,  Corrado Gaipa,  Saro Urzi
País: Estados Unidos
Guión: Francis Ford Coppola, Mario Puzo (Novela: Mario Puzo)
Productora: Paramount Pictures / Alfran Productions
Género: Drama / Gángster
Banda sonora: Nino Rota
Duración: 175 minutos

DIRECTOR:
Director, guionista y productor de cine estadounidense. Pertenece a una familia de emigrantes napolitanos. Se graduó en la escuela de cine de la Universidad de Los Ángeles.
En 1969 ganó un Oscar por su trabajo como guionista en Patton, por ello Paramount le encarga el guión y la dirección de El padrino. Gracias a esta saga de Mario Puzo ganaría gran éxito y el suficiente dinero como para desarrollar sus propias películas.
Entre sus últimos filmes deben mencionarse Jack (1996), Legítima defensa (1997), basada en el thriller jurídico de John Grisham, y Megalópolis (2002). De su más reciente labor como productor destacan Las vírgenes suicidas (1999) y la producción ejecutiva de Lost in Translation (2003), largometrajes ambos realizados por su hija Sofia Coppola, también cineasta.

SINOPSIS:
El Padrino trata sobre la familia mafiosa de origen italiano Los Corleone. Vito Corleone (Marlon Brando) ante todo intenta evitar la guerra de familias pero las venganzas y la aparición de las drogas en el tráfico ilegal lo llevará al conflicto y a tener que jubilarse. Michael (Al Pacino), hijo y sucesor, asume su papel dentro de la familia después de que pretendieran toda la vida alejarlo de los asuntos sucios e intentar que consiguiera un alto cargo respetable.

CRÍTICA:
Para Los Corleone, ante todo, lo mas importante era la familia, esto se puede ver a lo largo de la película en diversas escenas como es el momento en el que Vito vuelve del hospital o en la boda.
Vemos como la salud de Vito Corleone va empeorando desde que lo conocemos, en la primera escena donde se ve su carácter calculador, hasta sus últimos momentos donde deja su puesto a su hijo Michael y fallece mientras juega con su nieto, momento conmovedor donde se le ve como un hombre tierno que quiere a su familia.
También vemos como el personaje de Mike va evolucionando ya que al principio se ve como un buen hombre que se aleja de los asuntos sucios de la Mafia pero desde el tiroteo a su padre va cogiendo las riendas. Después de proteger a su padre en el hospital desea vengarse y elabora mas realiza el plan para aniquilar al Turco y desacreditar al corrupto policía que le abofeteara, esas serían sus primeras muertes y con ello se iría el encantador Michael que se viera en la boda con su novia. Mike nace nuevamente como un hombre inteligente, metódico y como un verdadero líder, esto se puede ver en la última escena, en el despacho.
Una escena muy importante de esta obra cinematográfica es cuando aparece el caballo decapitado en la cama de Woltz dando una advertencia. Es un momento con delicada violencia que puede recordar por la música y el efecto visual a Hitchcock.
En conclusión es una gran obra cinematográfica con unas escenas impactantes, ya sea por la música memorable tanto por los efectos.

Con faldas y a lo loco (1959)

FICHA TÉCNICA:
Título original: Some like it hot
Director: Billy Wilder
Reparto: Marilyn Monroe, Jack Lemmon, Tony Curtis, George Raft, Pat O'Brien, Nehemiah Persoff, Joe E. Brown, Joan Shawlee, Billy Gray, George E. Stone, Mike Mazurki, Dave Barry, Harry Wilson, Beverly Wills, Edward G. Robinson Jr., Barbara Drew
País: Estados Unidos
Guión: Billy Wilder, I.A.L. Diamond (Historia: Robert Thoeren, Michael Logan)
Productora: United Artists / Ashton Productions / The Mirisch Corporation
Género: Comedia
Banda sonora: Adolph Deutsch
Duración: 120 minutos

DIRECTOR:
Billy Wilder nació en Sucha (Austria), el 22 de junio de 1906. es conocido principalmente por sus comedias pero también abordó otro géneros como el cine negro y el drama social, pasando por el suspense o la sátira hollywoodiense.
Tras concluir sus estudios secundarios, Wilder comenzó a estudiar Derecho en la Universidad de Viena, pero lo abandonó para trabajar como redactor en varios periódicos austriacos y posteriormente como reportero en una publicación berlinesa. Fue en Alemania, y en el año 1929, cuando Billy Wilder entró en el mundo del cine al escribir una buena cantidad de guiones para películas germanas, entre ellas El Reportero Del Diablo (1929) o Emilio y Los Detectives (1931).
La subida al poder de Hitler en Alemania obligó a Wilder, debido a su procedencia judía, a huir del país y asentarse en Francia, lugar en donde continuó trabajando como guionista y en donde dirigió su primera película Curvas Peligrosas (1934).
Tras una breve estancia en el país, Wilder decidió ir a Estados Unidos.
En 1933 adaptaron su guión de Ihre Hoheit Befiehlt (1931) llamándolo Adorable. Fue la primera vez que un trabajo de Wilder se rodó en Hollywood, aunque no fue Billy el encargado de guión para la película. La primera ocasión en la que escribió directamente un texto para un film americano fue para el musical Música En El Aire (1934).
Los tres nombres más importantes para los que Wilder trabajó fueron Lubitsch, al que escribió Ninotchka (1939) y Howard Hawks, con el que colaboró en Bola De Fuego (1941).
En el año 1942, Wilder debutó en Hollywood como director en El Mayor y La Menor,  Perdición (1944) o Días Sin Huella (1945).
Billy Wilder fue candidato al Oscar por Ninotchka (1939), Si No Amaneciera (1941), Bola De Fuego (1941), Perdición (como director y guionista), Berlin-Occidente (como guionista), El Crepúsculo De Los Dioses (como director y guionista), Sabrina (como director y guionista), Testigo de Cargo (como director) y Con faldas y a lo loco (como director y guionista).  
Ganó el Oscar con Días Sin Huella (como director y guionista), Traidor En El Infierno (como director) y El Apartamento.

El 28 de marzo del año 2002 Billy Wilder falleció con 95 años.

SIPSONSIS:
Con faldas y a lo loco trata sobre dos músicos, Joe y Jerry, que después de haber perdido su último empleo se ven convertidos en testigos de asesinato. Huyendo de los culpables de los crímenes, que los quieren ver muertos, y en busca de un nuevo empleo se disfrazan de dos mujeres y entran dentro de un grupo musical solo de mujeres. En ese grupo conocerán a Sugar la joven y guapa cantante de la que Joe se enamorará.
Para conseguir el amor de Sugar Joe se disfrazará nuevamente, pero esta vez de magnate. Mientras Jerry será cortejado por un millonario que se quiere casar con el.

CRÍTICA:
Esta película está ambientada durante la ley seca, momento donde estaba prohibida la venta y el consumo de alcohol, podemos ver esto sobre todo al principio cuando vemos como ocultan el alcohol en un ataúd y huyen de la policía. El comienzo, con estilo de cine negro, nos da una explicación de que motivos pueden tener dos hombres para fingir ser mujeres durante tanto tiempo. 
Podemos ver un contraste entre dos ciudades como son el frío Chicago, donde empieza todo, y Florida donde iban solamente los ricos y donde los protagonistas van a trabajar.
Algo muy curioso es que la historia arranca con la necesidad de un contrabajo y un saxofón para la orquesta pero si nos damos cuenta al final todo sigue sin la necesidad de ellos, esto queda tapado con la rapidez de las acciones que nos "obliga" a olvidarnos de ese detalle.
El final de la película es una de las escenas mas recordadas ya que tiene un intercambio de frases entre uno de los protagonistas y su "futuro marido" que son impresionantemente graciosas.

Ganó el Oscar a mejor vestuario (B&N) y tuvo seis nominaciones junto con otros premios.

En conclusión es una película donde el humor está siempre presente a pesar de tener gangsters, persecuciones, asesinatos...

Los siete samuráis, Akira Kurosawa (1954)

FICHA TÉCNICA:

Titulo original: Shichinin no samurai

Director: Akira Kurosawa

Reparto: Takashi Shimura (Kanbei), Toshiro Mifune (Kikuchiyo), Seiji Miyaguchi (Kyuzo), Minoru Chiaki (Heihachi), Daisuke Kato (Shichiroji), Isao Kimura (Katsushiro), Yoshio Inaba (Gorobei), Bokuzen Hidari (Yosaku), Kamatari Fujiwara (Saizo)...

Productor: Sojiro Motoki

Productor ejecutivo: Hiroshi Nezu

Producción: Toho Film

Guión: Shinobu Hashimoto, Hiden Oguni y Akira Kurosawa.

Fotografía: Asaichi Nakai

Dirección artística: Takashi Matsuyama

Música: Fumio Hayasaka

Montaje: Akira Kurosawa

Ayudante de dirección: Hiromichi Horikawa

Sonido: Fumio Yanoguchi

SINOPSIS:

Cada cierto tiempo un grupo de bandidos asaltan un pequeño pueblo, saqueándolo y dejándolos sin nada con lo que alimentarse. Hartos de esta situación deciden contratar a unos samuráis para eliminar a los 40 bandidos que los aterrorizan.

En la búsqueda encuentran un samurái que acepta hacer el trabajo aunque no tengan con que pagarle luego, este buscará a los 6 restantes que harán falta para la tarea.

Este grupo salvará a los campesinos aunque pierdan su vida en ello.

CRÍTICA:

En la película se nos va enseñando lentamente como son psicologicamente cada uno de los grupos en los que ha dividido a la gente (Los bandido, los samuráis y los campesinos).

Vemos como los samuráis son personas solitarias. Al final hay una plano de las tumbas donde se ven a los tres semuráis vivos y a los muertos que nos puede reflejar un poco esta idea de la soledad. 

El líder de los samuráis desprende en todo momento una nobleza y fuerza a pesar de todo.

Los campesinos son desconfiados y se podría decir que lo uno que les importa es sus vidas y sobrevivir aunque los demás no lo consigan como vemos en diferentes escenas como antes de la llegada de los samurais como al final de la película.

Kurosawa es pionero en dos famosas técnicas cinematográficas en esta película; Multi-cámara ya que usa tres cámaras diferentes (plano largo, medio y corto) a la vez y stop-motion en la escena en que Kanbei mata al ladrón.

Esta película en su momento fue de las mas caras realizada por Japón costando 500.000 dólares.

Fue nominada en 1956 a Oscar a Mejor dirección artística (B&N) y vestuario (B&N) y en 1955 a BAFTA por mejor película y actores extranjeros (Shimura & Mifune). En 1954 en el Festival de Venecia: León de Plata a mejor director. Sección oficial.

En conclusión es una película donde sobre todo se ve la mentalidad de la sociedad, una sociedad empobrecida con muchos miedos, desconfianzas y tradiciones.

Lo que el viento se llevó, Victor Fleming (1939)

FICHA TÉCNICA:
Título original: Gone With the Wind
Director: Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood
Reparto: Vivien Leigh, Clark Gable, Olivia de Havilland, Leslie Howard, Hattie McDaniel, Thomas Mitchell, Barbara O'Neil, Butterfly McQueen, Ona Munson, Ann Rutherford, Evelyn Keyes, Mickey Kuhn, Ward Bond
País: Estados Unidos
Guión: Sidney Howard, Oliver H.P. Garrett, Ben Hecht, Jo Swerling, John Van Druten (Novela: Margaret Mitchell)
Productora: Selznick International Pictures / MGM
Género: Drama romántico
Banda sonora: Max Steiner
Duración: 238 minutos

SINOPSIS:
Esta película gira al rededor de la vida de Scarlett O'Hara (Vivien Leigh) una joven que siempre ha tenido todo lo que ha querido y a todos los pretendientes hasta que estalla la Guerra Civil y el hombre del que estaba obsesionada se va.
Los hombres vuelven de la guerra pero Tara, la tierra perteneciente a los O'Hara, ya no es como la habían dejado y tampoco Scarlett ya que ha sacado al mundo esa Scarlett.
Con el fin de la guerra Scarlett intentara conseguir todo el dinero que pueda aunque con eso se gane el rencor de la gente que quiere y de la persona que realmente ama, todo por su querida Tara.

CRÍTICA:
Scarlett es una mujer seductora, caprichosa, cruel, atractiva, manipuladora... que vamos viendo como ha ido madurando desde la adolescencia. El descaro y la ironía de Reth Buttler es capaz de poner en su sitio a la egoísta Escarlata pero harto ya de ella la acabará abandonando a pesar de sus suplicas, en este momento la protagonista se da cuenta de que le ama pero por encima de todo siempre estará Tara.
Es lógico que termine casada con Butler. Ambos son parecidos pero también diferentes. Él sabe lo que quiere y lo que tiene, ella no. Él se conforma con vivir la vida al máximo y disfrutarla, ella siempre quiere más. Pero a pesar de ello se complementan.
Al contrario de los dos protagonistas tenemos a Melanie Hamilton símbolo de la bondad ya que haga lo que haga Scarlett ella siempre le ayuda y la quiere.

Todo está ambientado desde las tierras de Tara hasta las bulliciosas ciudades tanto como antes, durante y tras la guerra.

En el último tercio del film, el tiempo comienza a correr, pasan los años a toda velocidad y el matrimonio de los dos protagonistas se va derrumbando. 

Hay diferentes partes que mucha gente, aunque no haya visto la película, sabría reconocer como por ejemplo Escarlata poniendo a Dios por testigo, Reth Buttler diciendo "francamente querida eso ya no me importa" o "mañana será otro día".

Esta película obtuvo 11 premios Óscar, incluida Mejor Película (David O. Selznick), Mejor Director  (Victor Fleming), Mejor Actriz (Vivien Leigh), Mejor Fotografía (Ernest Haller y Ray Rennehan).
También obtuvo premio en NFPB a la mejor actriz (Vivien Leigh) y en 1989 gano el premio People's Choice Awards en la categoría Mejor Película de todos los Tiempos.


En conclusión es una película inolvidable, de la historia del cine, que nos enseña la lucha por el dinero, por no pasar hambre y de los diferentes enredos amorosos de la protagonista mas caprichosa que se puede ver.

Cantando bajo la lluvia, Stanley Donen (1952)

FICHA TÉCNICA:

Título original: Singin in the rain
Director: Stanley Donen, Gene Kelly
Reparto: Gene Kelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell,Cyd Charisse, Rita Moreno, Douglas Fowley
Título original: Singin' in the Rain
País: Estados Unidos
Guión: Betty Comden, Adolph Green
Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Género: Musical, Comedia romántica 
Banda sonora: Nacio Herb Brown, Arthur Freed
Duración: 102 minutos

DIRECTOR:
Stanley Donen es un director cinematográfico y coreógrafo estadounidense, creador de algunos de los musicales más importantes de la historia del cine. Debutó como bailarín en el musical de Broadway Pal Joey, protagonizado por Gene Kelly, al que siguieron otros espectáculos en los que también fue a veces coreógrafo además de bailarín.
Fue contratado como coreógrafo por la MGM y el productor de musicales Arthur Freed le confió la dirección de On the Town (1949) que dirigió junto con Gene Kelly. Juntos volvieron a rodar Singin' in the Rain (1952) y It's Always Fair Weather (1955) secuela de On the Town. 
Con estas películas, especialmente gracias el éxito de la segunda, la pareja Donen-Kelly dio un nuevo impulso al musical, que renació en esa década, y renovó por completo los esquemas característicos.
Donen continuó como realizador después de que, a finales de los 50, el género musical empezara a entrar en declive. De sus películas posteriores destacan Charada (1963) y Dos en la carretera (1967), protagonizada por Audrey Hepburn y Cary Grant. En 1998 recibió un Oscar honorífico por el conjunto de su carrera.

SIPNOSIS:
Don Lockwood (Gene Kelly) es un ídolo del cine mudo arrogante que cree tener de todo: fama, dinero y éxito pero todo esto cambiará cuando intentando escapar de sus fans acaba en el coche de una joven, que quiere ser actriz, con carácter, Kathy Seldon (Gene Kelly). Esta mujer le hará dudar de que sea un gran actor como siempre creyó y le enseñará como realmente no tenía todo en la vida si no que le faltaba algo muy importante, el amor.
Con el nacimiento del cine sonoro llega un grave problema, la compañera de Don, Lina Lamont (Jean Hagen), tiene una voz estridente y no pronuncia adecuadamente las palabras y la idea del joven actor de hacer un musical se tambalea hasta que se le ocurre una idea. Kathy hablará y cantará por Lina y así la película podrá ser todo un éxito pero todo esto sin que la señorita Lamont descubra nada ya que odia rotundamente a Kathy por "robarle" el amor de su coprotagonista.

CRÍTICA:
Es un homenaje a la historia del cine, a ese momento donde empieza el sonido a aparecer y donde ya es mas importante la voz y su trabajo y no solo la actuación como es en el cine mudo. Es un cambio radical ya que los actores podría decirse que tienen que reaprender a actuar. Ya no hacen falta los gestos tan marcados porque hay voces que acompañan.
Algo curioso también es que podemos ver que el guión está hecho por una mujer, Betty Comden, algo no muy habitual.
Singin in the rain es una película cómica que incita al optimismo, a la alegría de vivir... como se ve en todos sus números musicales como puede ser el que da nombre a la película donde se ve a un Don totalmente loco de amor. A pesar de esto también es una crítica al sector cinematográfico ya que se ve también las mentiras y los apoyos que se realizan por el bien de la empresa aunque no sea todo lo correcto que debería ser y nos enseñan que hay detrás de las cámaras, como se realiza todos los efectos que dan vida a una película.
Podemos ver la falta realidad por ejemplo en el momento en el que Lina y Don están grabando diciéndose cuanto se odian pero como es una película muda los espectadores piensan que se quieren un montón y que eso están expresando a pesar de que el protagonista llama a compañera víbora. Las mentiras se siguen viendo en mas sitios ya no solo en su actuación si no a la hora de conocerse Don y Kathy que ella le dice que es actriz de teatro y que no vio sus películas cosa que mas tarde se vería que era mentira.
Esta obra cinematográfica fue nominada a dos Oscars, a mejor banda sonora y a mejor actriz secundaria (Jean Hagen)
En conclusión es una obra que nos enseña ese momento de transito del cine mudo al cine sonoro desde un punto de vista cómico, lleno de críticas, canciones y bailes que a día de hoy son muy conocidos y alabados.

Ninotchka, Lubitsch (1939)

 

FICHA TÉCNICA:

Título original: Ninotchka

País: Estados Unidos

Director: Ernst Lubitsch

Guión: Charles Brackett, Billy Wilder, Walter Reisch

Reparto: Greta Garbo, Melvyn Douglas, Bela Lugosi, Ina Claire, Sig Ruman, Felix Bressart,Alexander Granach, Rolfe Sedan, Gregory Gaye,Edwin Maxwell, Richard Carle

Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

Género: Comedia romántica 

Banda sonora: Werner R. Heymann

Duración: 110 minutos

DIRECTOR:

Ernst Lubitsch fue un director judío de cine ruso, que vivió en Alemania y finalmente en Estados Unidos. Fue un figura destacada por su contribución a la comedia inteligente y por la lucha contra el nazismo.

Su primer éxito fue el corto de terror Die Augen der Mumie Ma y cuando el gobierno y la banca alemana apoyan a la compañía UFA para producir grandes superproducciones que puedan competir con las películas de Hollywood, Lubitsch se convierte en el director más destacado de la compañía, sobre todo por el éxito de Madame DuBarry, muy críticada en Francia, pues muestra la violencia de la "idealizada" Revolución Francesa. UFA tenía como principal objetivo que sus películas atacaran a los enemigos de Alemania, por lo que Lubitsch dirige también Ana Bolena, que recrea la historia de Inglaterra.

Pronto Lubitsch destacará especialmente en el terreno de la comedia tras The Marriage Circle o con La frivolidad de una dama. Ya en los años 20 se hizo famoso el término "toque Lubitsch" para referirse a un estilo de rodar basado en sugerir más que en mostrar, como ocurre en El abanico de Lady Windermere. Pero él también se distingue por su capacidad para tratar temas dramáticos bajo una apariencia de comedia desenfadada.

Fue con la llegada del cine sonoro cuando Lubitsch empezó a deslumbrar de verdad, por su utilización de los diálogos. Destaca también en el terreno del musical con Paramount on Parade. 

Tras la llegada de los nazis al poder, Lubitsch acaba nacionalizándose estadounidense.

En los años 40, acumula títulos importantes como El bazar de las sorpresas o El diablo dijo no. Aunque su gran especialidad siguen siendo las críticas políticas, a través de ingeniosas sátiras. Sobre todo basado en los totalitarismos: el comunismo (Ninotchka) y el nacionalsocialismo (Ser o no ser). También habló sobre las costumbres tradicionales británicas en El pecado de Cluny Brown. Esa fue la última película que terminó, pues Lubitsch murió de repente, a consecuencia de un paro cardíaco.

SINOPSIS:

Ninotchka es una película que trata sobre una joven rusa, Nina Ivanovna Yakushova (Greta Garbo), que es enviada a París para resolver el problema que tienen sus camaradas a la hora de vender las joyas de la exiliada Duquesa Swana. Cuando llega a París conocerá por sorpresa a León, el Conde d' Agoult (Melvyn Douglas), del que se enamorará perdidamente. Este le enseñará un mundo mas libre; un mundo donde se puede gritar, reír, vestirse como uno quiera... un mundo donde el amor y los sentimiento existen.

Esta relación entre los dos protagonistas no le gustará a todo el mundo en concreto a la Duquesa, ella será la que cree los problemas utilizando las influencias que le quedan.

CRÍTICA:

Esta película, escrita por Billy Wilder, Charles Brackett y Walter Reisch (a partir de un musical de Broadway), fue la primera que Greta Garbo, una de las mayores estrellas, realizó de este género.

Ninotchka fue prohibida en la URSS y en los países de influencia soviética ya que se puede ver una crítica de la forma de vivir y las pocas libertades que tenían a diferencia que en Francia, donde la vida era mas sofisticada y con mas libertades. Un momento donde se ve claramente la falta de libertades en Rusia es cuando la protagonista después de la vuelta a su país le llega la única carta de León que logra entrar y para su sorpresa la mayor parte del texto está censurado lo que hace imposible la lectura de ella.

El mundo capitalista es representado por un hotel de lujo en un París romántico, que podemos verlo como una metáfora mas que como un espacio físico, que es un gran contraste a la habitación pequeña donde vive la protagonista con otras chicas en su patria.

La protagonista sufre a lo largo de la película cambios significativos que se pueden ver tanto en su forma de vestir (el estilo de gorros que tanto criticó y que luego acabó poniéndose o el cambio de su uniforme a un traje de noche con cristales Swarovski) o su forma de hablar y expresarse ya que al principio era una mujer seria, calculadora, exacta... y aunque nunca llega del todo a perder esas características si que se vuelve mas expresiva, alegre, libre... Descubre un nuevo mundo que empieza a dejar huella en ella. 

Todo este cambio se puede ver con las perspectivas de la cámara, al inicio de la película, cuando llega a París, la cámara mantiene la distancia con la mujer mediante planos generales, planos americanos y planos medios, casi siempre situada a la altura de los ojos fríos y vacíos. Pero después del cambio la cámara se acerca mucho mas a su cara y cuando baila la encuadra con un ligero picado.

Esta obra cinematográfica fue nominada a cuatro Oscars entre los cuales estaban mejor película y mejor actriz (Greta Garbo).

En conclusión es una obra que critica la sociedad comunista de una forma sutil pero a la vez directa y que a parte nos enseña una historia de amor que puede con las dificultades.

La quimera del oro, Charles Chaplin (1925)

FICHA TÉCNICA:

Director: Charles Chaplin
Título original: The Gold Rush
País: Estados Unidos
Guion: Charles Chaplin
Reparto: Charles Chaplin, Mack Swain, Georgia Hale, Tom Murray, Malcom Waite, Henry Bergman, Betty Morrise.
Productora: United Artists
Género: Comedia dramática
Banda sonora: Max Terr
Duración: 95 minutos

SIPNOSIS:
La quimera del oro es una película muda que trata sobre la vida de un hombre totalmente pobre, Charlot (Charles Chaplin), que va en busca de oro a la montaña. En esta búsqueda una fuerte nevada le arrecia y se tiene que resguardar en una cabaña que encuentra, en ella hay otro hombre, Black Larsen (Tom Murray). Este hombre buscado por la ley intentará deshacerse de Charlot en el primer momento pero no lo conseguirá. Mas tarde aparecerá un hombre mas en esa cabaña llamado Big Jim McKay (Mark Swain) , otro buscador que sabrá como encontrar el oro tan deseado.
Veremos con Charlot sobrevive al clima, a la hambre, al dolor de corazón y como da un giro de 90º su suerte.

CRÍTICA:
Una comedia dramática, convertida en clásico del cine, que comenzó a ser rodada sin guion en plena Alaska y que acabó catorce meses después es esta obra cinematográfica de Charles Chaplin, uno de los directores mas famosos del cine por su diferentes películas que critican la sociedad del momento.
Nuestro protagonista, a pesar de su pobreza, nunca pierde los bueno modales, la elegancia... si no que siempre intenta ser todo un caballero y hacer la vida de los que le rodean mas fácil como en la cena de Noche vieja o cuando prepara la bota como comida para el y su compañero. Mirando a su ropa se ve como de la cintura para arriba va vestido muy elegantemente, a pesar de su sombrero algo deteriorado, y de la cintura para abajo lleva unos pantalones mas grandes de lo debido y unas botas rotas intentando en todo momento ser elegante.
A pesar de toda esta elegancia, esta caballerosidad... se puede ver también, cuando finge que está moribundo para tomar una comida, como es un personaje pícaro pero sin perder nunca esa dignidad que el tiene y también nos demuestra ternura como por ejemplo con el baile de los panecillos.
Chaplin nos critica con todas estas situaciones y esta visión de pobreza la sociedad del momento, una sociedad cruel con la gente que no es poderosa o con dinero, como se ve por ejemplo al final cuando está en el buque, una sociedad avariciosa que se guía por las primeras impresiones.
En resumen nos encontramos con una obra que critica el afán del ser humano por lo material con personajes entrañables que van sufriendo un cambio en sus vidas y en algunos casos en su forma de opinar.